A U T . S I . Q U I D . E S T . I N . V I T A . I N . A E T E R N U M . R E S O N A T
(Versión de Ruiz T. Benqué)
El viejo casco colonial alberga dispositivos microelectrónicos que le conectan con el tramo más alejado de una red internacional. Detrás de su férrea fachada hay un cerebro que se debate entre fuerzas siniestras y preguntas aterradoras: ¿Se ha ganado la batalla por la mente de los hombres? Y si es así... ¿quién la ha ganado?
*Planetary Intelligence System Survey o PISS, cuya abreviatura es P.I.
Las cosas no eran lo que parecían y la gente veía «Cosas» por todas partes...
En la gran Exposición Oda al Progreso, jóvenes y ancianos admiraron los últimos triunfos científicos. La sensación de la exposición fue un nuevo género, nacido in vitro. El primero de los «prefabricados», un producto maduro y suave, nacido de un prodigioso órgano reproductor femenino con la eficacia de una cadena de montaje, sin contracciones, ruido ni dolor.
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| Crédits © Man Ray Trust / Adagp, Paris Crédit photographique : Centre Pompidou, MNAM-CCI/Service de la documentation photographique du MNAM/Dist. GrandPalaisRmn Réf. image : 4N13579 Diffusion image : l'Agence Photo de la RMN |
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Primer signo de un mundo cambiante
El tiempo: La víspera del fatídico año nuevo – 1984
El lugar: En algún lugar del lejano Oeste.
Dante y Virgilio regresan del infierno.
LA
VETRINA DEL ARTE
Un
tiempo, el arte cumplía una función: la catedral gótica era símbolo del triunfo
de la Iglesia, de la ciudad, de su Obispo y sus ciudadanos y al mismo tiempo, era
signo de la luz divina; hoy el arte parece responder sólo a un imperativo
mercantil. Bauman analiza cómo el arte se ha convertido en una mercancía: las
galerías, casas de subastas y coleccionistas adinerados, a su parecer, dominan
el mercado del arte, determinando su valor más por su precio que por su calidad
intrínseca.
Ejemplificativas,
a este respecto, son las obras de Damien Hirst y Jeff Koons. podemos citar
también el irónico caso del 2018 de la subasta en Sotheby’s de “Balloon girl” (9)
del street art Banksy: mientras la obra se adjudicada con el típico golpe de
martillo por más de un millón de dólares, el rumor activó un mecanismo oculto a
la base del marco, triturando buena parte del trabajo.
Con
la autodestrucción de su obra (10), Banksy pretendía hacer una mordaz crítica a
la comercialización del arte, la especulación sobre el valor y la efímera
naturaleza del arte. Pero el hecho se demostró como un momento icónico del
arte, tanto así que el comprador decidió quedarse con la obra, consciente que esta
podría valer mucho más del precio por el cual había sido adquirida.
La
globalización y la tecnología también inciden de forma determinante en el mundo
del arte: por un lado, más personas participan en la creación artística,
utilizando las muchas herramientas a su disposición (impresoras 3D,
inteligencia artificial, etc.) para la ejecución de obras. Asimismo, la
proliferación de plataformas en línea y redes sociales ha ampliado el acceso al
arte (hoy más que nunca, vivimos en un mundo que nos “bombardea” de imágenes) y
ha dado voz a otros que hasta ahora vivían marginados o excluidos del mundo del
arte tradicional. La globalización también presenta algunos desafíos, como la
homologación cultural y la pérdida de la propia identidad cediendo a las
tendencias globales. Resulta evidente que los criterios de producción han cambiado,
así como la circulación del arte y el rol de los intermediarios y de las
instituciones.
CONCLUSIONES
El
panorama que en parte se ha descrito parece bastante pesimista para el mundo
del arte, y nos pone las siguientes interrogantes: ¿Qué nos dice el arte actual
sobre nuestro tiempo?, ¿No existen más los valores del pasado? ¿Se han perdido
los ideales? ¿El arte se ha vuelto relativo?,¿Acaso vivimos en la época del
arte derrotado? Y si el arte es este ¿Quién se interesará por él? ¿Quién decide
quienes son artistas o quienes no lo son? ¿Los artistas se han olvidado de su
identidad y dignidad? ¿Los artistas ya no son lo suficientemente buenos y han
perdido credibilidad?
Jean-Luc Nancy al final de su conferencia en Breda,
pregunta: “¿Qué queda del arte a pesar de todo?, ¿qué queda de un acto
artístico que podemos evaluar o sobrecargar de significaciones y que no abre un
mundo, sino que simplemente da cuenta de un mundo cerrado, un mundo cerrado
sobre sí mismo, un mundo sin ninguna apertura?”.
Tal
vez no hemos buscado el arte hoy, donde deberíamos. El arte debe trascender, y si
no trasciende, no puede llamarse arte. El arte debe ser premonición, debe
intuir, debe ser capaz de conquistar lo positivo y vencer lo negativo, de
conjugar, pasado, presente y futuro.
Debe
estar hecho de una experiencia real, que hable al unísono, que sea a la vez universal,
pero con una propia identidad. Hemos encontrado mil lenguajes, pero no nos
damos cuenta de que tenemos la necesidad urgente de decirnos los mismos
conceptos, las mismas inquietudes y las mismas preguntas fundamentales. No
puede ser posible que no existan expresiones artísticas concretas, con un
sentido de lo correcto y una búsqueda de lo profundo.
El
arte, como Jean-Luc Nancy dice, debe ser un gesto, expresión de un signo que
nos remita más allá, que nos ayude a “spingerci avanti”. Si el artista sabrá
hacer esto, si con su obra da un testimonio sincero, entonces, el arte se
librará de todo accesorio, ya no estará más cerrado sobre sí mismo, ya no
estará vencido.
Sitografía:
Visione dopo il sermone: cm. 73 x 92, Edimburgo, National Gallery of Scotland, 1888.
Come quelle ragazze dagli abiti
tradizionali, ci si chiede chi siano quei due personaggi che lottano. Alcune di
loro credono di averlo capito e si inginocchiano. Quella di profilo, in primo
piano, lascia invece che il fatto si spieghi da solo, senza interpretazioni, e
ha il viso tutto teso a capire. Gauguin dipinge la lotta di Giacobbe con
l’angelo, raccontata dalla Genesi. Le pennellate veloci che danno vita ai due
corpi non esprimono tuttavia un’apparizione eterea e celeste; quel essere
alato, ci colpisce più per il gesto deciso delle braccia che costringono
Giacobbe a piegarsi, piuttosto che per quelle ali. Giacobbe era un uomo
accomodato, presuntuoso in quanto certo di potersi "fare da solo", il
quale però in gioventù, momento in cui il destino di ognuno mette le se basi,
riceve una promessa da Dio ("Ecco: io sono con te e ti custodirò dovunque
andrai"). Ma Giacobbe, il cui nome è traducibile con la parola “inganno”,
vorrà dimenticare quella promessa, e continua come se nulla fosse successo,
come chi si crede senza padre. Quella promessa torna solo nei momenti di
dolore, quando i fatti, la vita, la minaccia della vendetta di suo fratello
Esaù, lo mettono alle strette. Proprio la notte prima del giorno fissato per
rincontrare suo fratello, e trovare, forse, la morte, Giacobbe resta solo sulla
riva del fiume, ha paura, e si ricorda della promessa di quel dio dimenticato.
Cerca protezione in un dio che non esiste, gioca, insomma, la carta della
“religione”, affinché la divinità si schieri dalla sua parte. Egli invoca, in
realtà, un dio inventato.
Ed è invece un uomo (il racconto
della Genesi non parla di angeli né di visioni) che lo viene a visitare nella
notte, lungo la riva di quel fiume, durante il momento della sua personale
angoscia umana. E Giacobbe sa di dover lottare, fisicamente, contro di lui,
fino allo spuntare dell’alba. Non si tratta di una lotta “spiritualista” o
intimistica. Il Dio che lotta si presenta come uomo, entra nel fatto,
concretamente e terrenamente. Ci si chiede allora, (come quelle ragazze
olandesi che assistono all’episodio che avviene nella loro quotidianità, dopo
il sermone domenicale), come sarebbe la vita se quel Dio che si espone nei
fatti umani esistesse, se quelle promesse riguardassero l’oggi, e se
decidessimo di accettare la nostra lotta con lui, Dio, non più immaginato, ma
presente. "Non ti lascerò, se non mi avrai benedetto", dice Giacobbe
a quel uomo, come per dire: combatterò finché tu non sarai compagnia ai miei
giorni".
LA IDEA, EL CONCEPTO
El
historiador del arte, Francesco Poli, evidencia que, desde finales del siglo XX
hasta hoy, el arte ha sido embestido por el cambio cultural postmoderno. El
término describe esta nueva fase histórica, surgida de la crisis de las
certezas en los valores de la Ilustración y del modernismo e impulsada por la complejidad
y globalización del capitalismo postindustrial, así como por las revoluciones
tecnológicas, especialmente aquella digital del Internet.
En
este nuevo contexto, hubo un cambio significativo de los paradigmas. Los
artistas parecen haber perdido el nexo con la tradición, con el pasado; con el
declive de las tradiciones compartidas, los relatos perdieron claridad y
comenzaron a reflejar la temporalidad finita en lugar de la eternidad. Los
personajes ya no narraban historias atemporales, sino eventos únicos y pasados.
Esta transición dejó a los artistas la tarea de conectar el pasado, presente y
futuro con lo eterno, sin los elementos tradicionales que aseguraban su
transmisión en el tiempo, la “inmortalidad” del arte. Se ha vuelto exasperado,
absurdo y transgresivo, además de efímero y fugaz.
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| 06. Salvatore Garau, Buddha in contemplazione |
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| 07. Ai-Weiwei, Sunflower seeds, 2011 |
Muchas veces, el artista y sus obras se hacen
voceros de temas de suma importancia como la migración, la identidad cultural y
la desigualdad, temas que son urgentes, pero en el modo con el cual son
tratados, se detiene en lo fácil y en el impacto inmediato, como si fueran
publicidades o slogans, que pueden recordarse por algún tiempo pero que no
cambia en nada la existencia, cayendo, en fin, en los mismos mecanismos que
deseaban denunciar. En el 2010 el artista y activista pekinés, Ai Weiwei,
presentó su instalación “Sunflowers
seeds” (7), más de 100 millones de semillas de girasol de porcelana, hecha y
pintada a mano, por más de 1600 personas durante 2 años y medio aproximadamente.
La instalación, con un peso de 150 toneladas cubría los 1000 metros cuadrados
de la sala donde estaba expuesto. La obra se centra en los aspectos negativos
del “Made in China”, de su economía, de la producción de masa
frente a la artesanía original, además del significado simbólico del girasol en
la sociedad china. Ya en el 1995, Weiwei había causado polémica con su
performance “Dropping
a Han dynasty urn” (8), una serie de tres fotografías que retraen
a Ai mientras deja caer en el suelo una urna ceremonial de 2.000 años de
antigüedad de la Dinastía Han (206 a. C. - 220 d. C), eliminando, además de su
valor intrínseco, su valor simbólico y cultural.
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| 08. Ai-Weiwei, Dropping a Han dynasty urn, 1995 |
Kuspit
afirma que hemos asistido a la ruptura entre el arte y la vida - aun cuando
existe una voluntad de integrarse como lo manifiestan el arte callejero, las
instalaciones artísticas interactivas y las colaboraciones artísticas
comunitarias, que buscan involucrar al público de manera activa - y que esto
nos impide vivir una experiencia estética, puesto que se ha perdido el
equilibrio entre el medio y el mensaje. Parece que el hecho estético no pueda
convivir con la denuncia, que se busca más la provocación, la transgresión y el
escándalo más que ir a la sustancia.
ARTE, HOY.
Entonces,
¿cómo identificar el arte actual? Al parecer el aspecto estético ya no es el
único a caracterizar una obra de arte como tal, al punto que algunos
historiadores del arte como Danto, sostienen que la estética no es capaz, por
sí misma, de definirla, puesto que la escala de valores ha cambiado
drásticamente. El filósofo Dino
Formaggio afirma que “arte es todo aquello que los hombres llaman arte”,
sentencia muy parecida a la de Duchamp.
Aun
cuando los términos para describir movimientos artísticos - como los ismos de
las Vanguardias artísticas - son creados retrospectivamente por críticos,
historiadores y académicos para organizar el arte por características comunes,
definir un movimiento con un título específico podría ser anacrónico, ya que
busca encapsular la complejidad y diversidad del arte en una sola etiqueta. No obstante,
esto, la socióloga francesa Nathalie Heinich, llega al punto de considerar al
“arte contemporáneo” un nuevo género, un nuevo paradigma, y no más una
categoría cronológica.
Existe,
pues, una dificultad en definir al arte contemporáneo. En
su conferencia en la Academia de Breda del
2006, Jean-Luc Nancy refiere que, respecto al arte contingente, la definición
de contemporáneo en cuanto categoría histórica, no sería del todo adecuada,
puesto que todo artista, y en consecuencia su obra, es contemporáneo y
contemporánea a la época en la cual vivió y durante la cual fue creada,
contemporáneo y contemporánea de sus contemporáneos, considerando más oportuno
hablar de “arte de hoy”.
MATERIA
Y REALIZACIÓN
En
la sociedad líquida moderna, el arte se ha vuelto fluido en lugar de sólido.
Esto significa que las fronteras entre diferentes formas de arte (como la
pintura, la música, el cine, etc.) se han diluido y las categorías
tradicionales ya no son suficientes para definir el arte.
A
las técnicas y materiales tradicionales se han sumado un sinfín de
posibilidades, que van desde una amplia gama de materiales nuevos y no
convencionales, a los objetos encontrados, a los happenings, a los softwares
especializados y hardware avanzados (reinterpretado significativamente las
técnicas tradicionales). Arthur Danto afirmaba que nuestra concepción del
progreso artístico, ya en ese entonces, iba más allá de la pintura y reflejaba
la expansión de nuestros poderes de representación.
Si
exploramos las últimas tendencias y las ferias de arte más populares, nos
encontramos con obras que podrían resultar sorprendentes.
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| 03. Tracey Emin, My bed, 1998. |
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| 04. Sara Goldschmied y Eleonora Chiari, Dove andiamo a ballare questa sera?, 2015 |
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| 05. Joseph Beuys, Bathtub, 1960-1977. |
Por ciertos aspectos, parece que al artista no le interesa la materia como medio de expresión, si no que la utiliza en cuanto materia, al punto de poder prescindir de ella. Si bien parece que muchos participan de esta tendencia, aún persisten artistas que trabajan con medios tradicionales, pero con connotaciones transversales de modernidad. Ejemplo de esto son los escultores Ron Mueck y Marc Quinn y en pintura podríamos citar a Neo Rauch, Michaël Borremans y Kehinde Wiley. De Mueck citamos “Woman with Shopping”, del 2013, una increíble escultura hiperrealista de poco más de un metro que consiste en la reproducción de una mujer de mediana edad, en posición estática mientras sostiene dos bolsas con las compras. de su abrigo abotonado, sobresale la pequeña cabeza de un bebé, que observa fijamente el rostro de la mujer. En este conjunto escultórico la silicona pintada, la fibra de vidrio, la tela y el pelo sintético dan vida a una extraordinaria imagen de vida cotidiana.
“Toda obra de arte es hija de su tiempo, muchas veces es madre de
nuestros sentimientos”.
Vasilij Kandinskij
De lo espiritual en el arte
Queridos
amigos,
Este año, frente al tema que el
Tonalestate nos propone, el tiempo derrotado, deseo hacer una breve
reflexión sobre la situación de la producción artística actual. Dentro la gran
cantidad de argumentos que se podrían aquí tratar, quisiera detenerme sólo
sobre algunos aspectos, enfocándome, sobre todo, en aquella tipología de obra que,
por su carácter excepcional y transgresivo, parecen marcar mayormente
tendencia.
¿ESTO
ES ARTE?
Hace
unas semanas, junto con algunos amigos y nuestros respectivos hijos, visitamos
la sala n. 34 del Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires, titulada
“Informalismo y expresionismo abstracto, 1945 -1970”. En esta exposición,
pudimos apreciar obras de Rothko, Vedova, Pollok, Alechinsky y Fontana. Nuestro
objetivo era introducir a los niños al mundo del arte a través de un lenguaje
más accesible y cercano a ellos en el tiempo.
Durante
la visita, algunos niños percibieron las obras como si fueran creadas por
coetáneos, libres de restricciones académicas y con una mayor espontaneidad.
Algunos adultos, en cambio, expresaron su desconcierto ante las obras,
cuestionando si su único mérito como arte radica en estar expuestas en un
museo, además de haber sido realizadas con una técnica "tradicional"
como la pintura.
Efectivamente,
luego de las Vanguardias Artísticas, hemos visto un cambio considerable del
binomio forma - contenido, a comenzar por los papier collé de Braque y Picasso, pasando por el arte abstracto y
el movimiento Dadaísta, siguiendo por los ready-made.
A tal propósito, sería útil recordar algunos acontecimientos que representan
dos caras de la misma moneda.
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| 01. Marcel Duchamp, Fountain,1917. |
El primero concierne al famoso ready-made “Fountain” (1) de Marcel Duchamp, un urinario presentado bajo el seudónimo “R. Mutt, 1917”. (¿una provocación?) y preparado para la muestra de la American Society of Independent Artists de la cual Duchamp hacía parte. Todavía, el urinario no fue expuesto, porque fue considerado inmoral. Tiempo después, en la publicación The Blindman, de la cual el mismo Duchamp era coeditor, se lee que “whether Mr. Mutt with his own hands made the fountain or not has no importance. He CHOSE it”, reivindicando el hecho que “Fountain” era una obra de arte porque el artista así lo había decidido. Por otro lado, Duchamp también afirmaba que “c'est le regardeur qui fait l'oeuvre”. La posición de Duchamp expande el panorama, considerando obra artística todo aquello que un artista considere como tal, y de igual manera, rebatiendo el rol del espectador en el perpetuarse de la misma.
El
segundo, se refiere al caso “Brancusi vs United States”: El escultor rumano,
Constantin Brancusi, creó una serie de esculturas conocidas como “Bird in Space” (2), que eran representaciones de aves
abstractas y estilizadas.
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| 02. ConstantineBrancusi, Bird in space, 1923. |
En
1926, Brancusi intentó importar una de estas esculturas a Estados Unidos desde
Francia para ser expuesta en la Galería Brunner de Nueva York. Sin embargo, las
autoridades aduaneras clasificaron la escultura como un objeto utilitario y la colocaron
en la categoría de objetos de cocina, que obligaba al pago de una tasa de
aduana del 40 % de su valor. A las obras era reputado el hecho de no estar
hechas a mano, de no reproducir un objeto de la naturaleza y el empleo de
bronce para su realización (reproducido de forma indirecta a través de un
molde, por consiguiente, capaz de ser producide en serie).
Luego
de un largo proceso, el juez se expresó a favor del artista, reconociendo que,
no obstante, fuese complicado relacionar la escultura con un ave, la obra era
“bella y de contorno simétrico”, así como el hecho de que se trataba de una
producción original de un escultor.
Estos
son solo algunos precedentes históricos que pueden hacernos entender lo
complejo que era y puede ser reconocer una obra de arte, ya en aquellos días y
aún hoy en el presente.
PAJARracos y pajaritos Pier Paolo Pasolini, 1966. Int.: Totó, Ninetto Davoli, Femi Benussi. Italia. VOSE. 100 min. DCP Sinopsis “Escandali...
