L’ART VAINCU? III.

 LA IDEA, EL CONCEPTO

El historiador del arte, Francesco Poli, evidencia que, desde finales del siglo XX hasta hoy, el arte ha sido embestido por el cambio cultural postmoderno. El término describe esta nueva fase histórica, surgida de la crisis de las certezas en los valores de la Ilustración y del modernismo e impulsada por la complejidad y globalización del capitalismo postindustrial, así como por las revoluciones tecnológicas, especialmente aquella digital del Internet.

En este nuevo contexto, hubo un cambio significativo de los paradigmas. Los artistas parecen haber perdido el nexo con la tradición, con el pasado; con el declive de las tradiciones compartidas, los relatos perdieron claridad y comenzaron a reflejar la temporalidad finita en lugar de la eternidad. Los personajes ya no narraban historias atemporales, sino eventos únicos y pasados. Esta transición dejó a los artistas la tarea de conectar el pasado, presente y futuro con lo eterno, sin los elementos tradicionales que aseguraban su transmisión en el tiempo, la “inmortalidad” del arte. Se ha vuelto exasperado, absurdo y transgresivo, además de efímero y fugaz.

06. Salvatore Garau, Buddha in contemplazione

Un claro ejemplo de esto es la serie de “esculturas invisibles” de Salvatore Garau, artista italiano conocido por sus obras conceptuales y provocativas, en las cuales el artista presenta espacios vacíos designados como obras de arte. Entre estas se encuentran “Aphrodite Piange” y “Buddha in contemplazione” (6). Donald Kuspit sostiene que estamos en una época donde el artista narcisista prevalece, sin adherirse a una idea superior, aunque pretenda hacerlo a través de ciertas meta- narrativas.

07. Ai-Weiwei, Sunflower seeds, 2011

Muchas veces, el artista y sus obras se hacen voceros de temas de suma importancia como la migración, la identidad cultural y la desigualdad, temas que son urgentes, pero en el modo con el cual son tratados, se detiene en lo fácil y en el impacto inmediato, como si fueran publicidades o slogans, que pueden recordarse por algún tiempo pero que no cambia en nada la existencia, cayendo, en fin, en los mismos mecanismos que deseaban denunciar. En el 2010 el artista y activista pekinés, Ai Weiwei, presentó su instalación “Sunflowers seeds” (7), más de 100 millones de semillas de girasol de porcelana, hecha y pintada a mano, por más de 1600 personas durante 2 años y medio aproximadamente. La instalación, con un peso de 150 toneladas cubría los 1000 metros cuadrados de la sala donde estaba expuesto. La obra se centra en los aspectos negativos del “Made in China”, de su economía, de la producción de masa frente a la artesanía original, además del significado simbólico del girasol en la sociedad china. Ya en el 1995, Weiwei había causado polémica con su performance “Dropping a Han dynasty urn” (8), una serie de tres fotografías que retraen a Ai mientras deja caer en el suelo una urna ceremonial de 2.000 años de antigüedad de la Dinastía Han (206 a. C. - 220 d. C), eliminando, además de su valor intrínseco, su valor simbólico y cultural. 

08. Ai-Weiwei, Dropping a Han dynasty urn, 1995

Kuspit afirma que hemos asistido a la ruptura entre el arte y la vida - aun cuando existe una voluntad de integrarse como lo manifiestan el arte callejero, las instalaciones artísticas interactivas y las colaboraciones artísticas comunitarias, que buscan involucrar al público de manera activa - y que esto nos impide vivir una experiencia estética, puesto que se ha perdido el equilibrio entre el medio y el mensaje. Parece que el hecho estético no pueda convivir con la denuncia, que se busca más la provocación, la transgresión y el escándalo más que ir a la sustancia.

  

Artículo publicado en la revista "Perspettive"

del Centro Estudios de Tonalestate International

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Quitzé Sabillón