L'età del ferro è oggi. di Tomasso Montanari

Nell’età del Ferro se ne andarono il pudore la sincerità, la fiducia, e presero a regnare invece le frodi, gli inganni, la violenza e un amore criminale del possesso…. E alla fine la Giustizia lasciò la terra, inzuppata di sangue, per tornarsene in cielo. Sono più o meno queste le parole delle Metamorfosi di Ovidio che Pietro da Cortona si vide consegnare dalla corte medicea per immaginare il suo affresco sull’età del Ferro, ultimo dei quattro della piccola Sala della Stufa, a Palazzo Pitti dedicati alle fasi della storia umana. Il risultato lo vedete: una città è messa a ferro e a fuoco, mentre soldati in armi uccidono vecchi, rapinano donne e templi, uccidono e violentano senza freni. Il nuovo ‘stile concitato’ – qualche decennio più tardi prenderemo a chiamarlo ‘barocco’ – raggiungeva la sua maturità, in una terribile eloquenza: il movimento, la furia, la forza erano quelle delle guerre vere, le guerre sanguinose che gli uomini e le donne del Seicento conoscevano bene.

Mai come oggi, tuttavia, queste immagini sembrano parlare del nostro, di tempo: di questa età ferrea in cui i governanti non sono saggi, anzi sono pericolosi esaltati. E in cui il diritto è di nuovo sottoposto alla forza: senza nemmeno l’ipocrisia di un nascondimento, di un velo di resipiscenza, per non dire di vergogna. La legge del più forte è teorizzata, celebrata, propugnata: purché il più forte siamo noi. Così, vedendo questo affresco i cantori dell’‘identità occidentale’ (quelli che riscrivono i programmi scolastici di questa età di ferro…) ci suggerirebbero un’unica accortezza: di identificarci con chi il ferro lo brandisce, non con chi lo subisce. Con i vincenti, non importa quanto mostruosamente violenti: la parte giusta della storia è questa, ora. Con Trump, non con i civili iraniani. Con Netanyahu, non con le persone di Gaza… E le altre tre età dipinte dal Cortona non mette conto nemmeno guardarle: a pena di farsi chiamare ‘anime belle che ancora credono nel diritto a tutela del più debole’. Che, prima di sprofondare in questa epoca ferrea, non era mica un’offesa.

V I O L E T T E - N O Z I È R E S / Paul Eluard - Max Ernst

 

Cuando el pelícano

 

Los muros de casa se parecen

Una voz de niña responde

Sí como un grano de trigo y las botas de las siete leguas

Sobre una de las paredes están los retratos de familia

Un mono al infinito

Sobre la otra pared está la puerta de este cuadro mutable

Donde yo penetro

Antes

 

Luego bajo la lampara se discute

De un mal extraño

Que vuelve locos y geniales

La niña tiene lumen

Polvos misteriosos que viene desde lejos

Y que se gustan a ojos cerrados

 

Pobre angelito decía la madre

Con el tono de las madres menos bellas que las hijas

Y celosas

 

Violette soñaba baños de leche

Bellos vestidos de pan fresco

Bellos vestidos de sangre pura

Un día no habrá más padres

En el jardín de la juventud

Habrán desconocidos

Todos los desconocidos

Los hombres por los cuales se es siempre diferente

y la primera

Los hombres por los cuales se escapa de sí misma

Los hombres por los cuales no se es hija de nadie

Violette ha soñado de deshacer

Ha desecho

El horrible nudo de serpientes de los vínculos de sangre

(Versión de Ruiz T. Benqué)

LA MUJER 100 CABEZAS (?) - Max Ernst.- 1

La Femme 100 têtes [La mujer 100 cabezas o La mujer sin cabeza, ya que fonéticamente en francés 100 = sans = sin] (1929) es una de las tres novelas en imágenes  publicadas por Max Ernst (1891-1976): El arte occidental siempre ha intentado desgarrar de un tirón las camisas de fuerza del cuerpo aprisionado: pero a nadie le ha salido tan bien esta insurrección como a Max Ernst en las novelas-collage que inventó y llevó a su punto culminante entre 1929 y 1934. Son imágenes acompañadas de epígrafes extasiados y recortadas de las ilustraciones de novelas por entregas del siglo XIX y principios del XX, llenas de doncellas sensuales e inocentes minadas por los pupilos sombríos de Sade, y de señores con trajes y polainas negras que ocultan manías vergonzosas, mientras que en el fondo tiembla la «ciudad llena de sueños» de Baudelaire y de nuevo «el espectro atrae al transeúnte en pleno día». Un montaje onírico heredado, pues, de los feuilletons, pero que Ernst, con su montaje de yuxtaposiciones misteriosas y cortes oscuros, de exaltación del azar e intoxicación de la analogía, con su cine a cámara lenta y su cómic para sólo adultos - niños, supo transformar en estandarte del perenne levantamiento del deseo.

PRIMER CAPÍTULO

Delito o milagro: un hombre completo.

Age of Ages: Un viaje gótico de ciencia ficción hacia el Apocalipsis V (Fin)

Sir Edwin escuchó de un agente de la PI*, sobre los cielos extranjeros, una increíble historia sobre un banco de arenques que se dirigía a Niza. ¿Iba la naturaleza tan enmascarada como la humanidad? «Maldita presa», pensó esperanzado Sir Edwin. Para este tipo de cosas tiene que haber una razón».

*Planetary Intelligence System Survey o PISS, cuya abreviatura es P.I.

Lo había.

Las provisiones voladoras caían de un logro estupendo... la primera colonia terrestre en orbitar el planeta.

El premio inmobiliario, anunciado como una «parcela celestial», se lanzó con la exitosa canción «El futuro es ahora». La ciencia-ficción ya no existía.

Novela gráfica de Norman Rubington e ilustraciones de Akbar del Piombo.

Traducción de T. Ruíz Benqué 

El Apolo del Belvedere: Restauración en equilibrio entre tecnología y filología

Después de casi cinco años, el Apolo del Belvedere, una de las esculturas más ilustres y célebres de las colecciones papales, vuelve a ser visible para el gran público. La Dirección de los Museos Vaticanos y de los Bienes Culturales se complace en presentar hoy el proyecto de estudio y restauración coordinado por el Departamento de antigüedades griegas y romanas y realizado por el Laboratorio de restauración de materiales lapídeos en colaboración con el Gabinete de investigación científica. La compleja y delicada intervención -realizada gracias al generoso apoyo de los Patrons of the Art in the Vatican Museums- ha respondido al reto de restablecer el equilibrio del Apolo sin comprometer su maravillosa armonía.

La estatua, descubierta en Roma en 1489 en la colina del Viminal, llegó al Vaticano entre 1508 y 1509, por voluntad del pontífice Julio II, que estaba creando el Patio de las Estatuas con un programa iconográfico compuesto centrado en los orígenes míticos de la antigua Roma. En aquella época, el Apolo debía de estar intacto, le faltaba sólo la mano izquierda y los dedos de la derecha, pero ya en 1511 se tiene noticia de la inserción de un “hierro” en la estatua, quizá para anclarla a la pared de uno de los nichos del Patio. Las obras de restauración fueron realizadas entre 1532 y 1533 por Giovannangelo Montorsoli, quien, escribe Vasari, «rehizo el brazo izquierdo que le faltaba a Apolo». En realidad, los grabados contemporáneos muestran que la intervención supuso también la sustitución del antebrazo derecho y la integración de la parte superior del tronco del árbol sobre el que se apoyaba así el nuevo brazo.

Las numerosas fracturas que pueden observarse hoy en la estatua -zócalo, tronco de árbol, tobillos, rodillas, brazo derecho y partes del manto- son el resultado de la larga vida de la escultura, que ha sido expuesta al aire libre desde su descubrimiento y ha sido objeto de manipulaciones y movilizaciones, incluso de cierta magnitud, como la napoleónica de París (1798-1815) y la más reciente, pero desgraciadamente no indolora, de los Estados Unidos de América (1983).

Después de examinar varias soluciones, la fragilidad actual de la estatua obligó a tomar la decisión de volver a proponer un soporte, como ya había decidido Antonio Canova, tecnológicamente avanzado: el elemento posterior de fibra de carbono, anclado a la base, utiliza únicamente los orificios y rebajes existentes y es capaz de reducir en unos 150 kg el peso que recae sobre las fracturas más delicadas. La tracción proporcionada por la barra mitiga además el desequilibrio del centro de gravedad hacia el brazo izquierdo que, inclinado hacia delante, también está muy lastrado por el manto.

La postura de un Apolo esbelto, escénica y bien realizada en el bronce original -del año 330 a.C., posiblemente obra del artista ateniense Leochares- resulta, en cambio, una solución bastante atrevida en mármol. Quizá por ello no ha llegado hasta nosotros ninguna otra réplica fiel de esta obra maestra de las esculturas griegas en bronce, aunque en época romana debió de existir una tradición de copias.

Un extraordinario descubrimiento en la década de 1950 permitió recuperar en las ruinas del palacio imperial de Baia, al norte de Nápoles, cientos de fragmentos de yeso pertenecientes a un taller que poseía vaciados tomados directamente de las obras maestras originales del arte griego del bronce de los siglos V y IV a.C., gracias a los cuales podía realizar copias fieles en mármol para los ricos mecenas de la zona de Flegrea. Entre estos fragmentos de yeso se reconoció también la mano izquierda que faltaba del Apolo de Belvedere. Ha parecido oportuno aprovechar la ocasión de esta restauración para devolver al dios lanzador su mano “original”, insertando, en el lugar de la de Montorsoli, un molde del “molde de Baia”: el gesto se ha vuelto más natural, la mano proporcionada y ligera.

Se ha lanzado otro dardo y la comunidad científica podrá juzgar la bondad de un experimento filológico, en cualquier caso, totalmente reversible. 

 L'Apollo del Belvedere - Brochure (museivaticani.va)

De Museos Vaticanos

V I O L E T T E - N O Z I È R E S / René Char - Yves Tenguy

La madre del vinagre
Primado del cuero encarnado
Sobre el espectro fétido clavado


En la partición los combatientes confraternizan
Pero no en la casa de los eclipses
La que domina retirándose creará oscuridad
Tú juntas tus anexiones con piedras tomadas de las cabezas de los caracoles


Hipo seguido de veneno


Orina acuosa del sueño
Desenredando la trama del tul
Tu que disparas a la luz
Tu desconcierto es una lágrima
Que anuncia el idilio


Defensa del amor violencia
Asfixia instantánea del diamante
Parálisis de la dulzura errante

(Versión de Ruiz T. Benqué)

Age of Ages: Un viaje gótico de ciencia ficción hacia el Apocalipsis IV.

El pelele más famoso de Scotland Yard, Sir Edwin Fuzz, mantiene una calma estoica ante una invasión irracional. Arquetipo del nuevo Hombre Global y jefe secreto de la ultrasecreta P.I.*, hace caso omiso de las burlas de sus compañeros de club, que poco sospechan de la hechicería que encierra su pintoresco casco de médula.

El viejo casco colonial alberga dispositivos microelectrónicos que le conectan con el tramo más alejado de una red internacional. Detrás de su férrea fachada hay un cerebro que se debate entre fuerzas siniestras y preguntas aterradoras: ¿Se ha ganado la batalla por la mente de los hombres? Y si es así... ¿quién la ha ganado?

*Planetary Intelligence System Survey o PISS, cuya abreviatura es P.I.

The Painted Self: The Franco and Maria Antonietta Nobili Collection of twentieth-century self-portraits

 From 11 October, the Vatican Museums will present to the public for the first time the entire corpus of the Nobili Collection: an exceptional body of 64 self-portraits belonging to the most extensive collection of artworks belonging to Franco and Maria Antonietta Nobili, built up by the Italian businessman and executive (Rome, 1925-2008) together with his wife during the course of the second half of the twentieth century.

In keeping with a long-standing wish of their parents, and to honour their memory, the works were generously donated in 2021 by the couple's five daughters and thus included in the Vatican Museums' holdings in the Collection of Modern and Contemporary Art.

Installed in the spaces of the Rooms of the Borgia Tower, the exhibition – curated by Rosalia Pagliarani of the Nineteenth Century and Contemporary Art Department – features a group of self-portraits ranging from the most renowned names in Italian art of the early and late twentieth century, such as Giacomo Balla, Giorgio de Chirico, Mino Delle Site, Emilio Greco, Pietro Marussig, Pippo Oriani, and Ottone Rosai, to the equally distinguished names of the Roman School and its environs, such as Ferruccio Ferrazzi, Franco Gentilini, Virgilio Guidi, Mario Mafai, Luigi Montanarini, Adriana Pincherle, Fausto Pirandello and Alberto Ziveri, together with foreign artists such as Xavier Bueno, Jean Cocteau and José Ortega. The humanistic interests of the Nobili couple, along with their love of Rome, is revealed through the presence of artist-writers such as Carlo Levi, Trilussa and Mino Maccari, while the nineteenth-century is represented by the intense self-portraits of Antonio Mancini, Filippo Palizzi and Ettore Ximenes. The figure of the Venetian Linda Buonajuti is fascinating and still little-known; her self-representation as a full-figure Amazon was chosen, with its extraordinary Central-European air, as the opening work of the exhibition.

The exhibition, which will remain open until 11 January 2025, will be accompanied by an illustrated catalogue edited by Rosalia Pagliarani (Edizioni Musei Vaticani), the result of studies and research on the new acquisitions. The volume, containing informative notes on 64 works – many of which are previously unseen – also retraces the history of collecting and the special relationship that in some cases was created between the Nobili family and the artist.
 

https://www.museivaticani.va

V I O L E T T E - N O Z I È R E S / André Breton - Salvador Dalí

Todas las cortinas del mundo corridas sobre tus ojos
En vano
Delante de su cristal hasta el agotamiento
Estirarán el arco maldito de la ascendencia y la descendencia
Tú no te pareces a nadie vivo ni muerto
Mitológica hasta la punta de las uñas
Tu prisión es la boya a la que se intentan agarrar en su sueño

Todos vuelven ella los abrasa

Como se remonta al origen de un perfume en la calle
Dividen a escondidas tu itinerario
La bella alumna del liceo Fénelon que amaestraba murciélagos en su pupitre
La nevadilla de la pizarra
Alcanza la morada familiar donde se abre
Una ventana moral en la noche
Los padres una vez más se santiguan por su hija
Han puesto el cubierto sobre la mesa de operaciones
El buen hombre es negro para mayor verosimilitud
Mecánico se dice de trenes presidenciales
En un país de miseria donde el jefe supremo del Estado
Cuando no viaja a pie por miedo a las bicicletas
Sólo tiene prisa en tirar de la señal de alarma para ir a retozar en camisa sobre el talud

La excelente mujer ha leído a Corneille en el libro escolar de su hija
Mujer francesa lo ha comprendido
Lo mismo que su apartamento comprende un singular cuarto de desahogo
Donde brilla misteriosamente una prenda íntima
No es de las que se guardan riéndose veinte francos en la media
El billete de mil cosido en el dobladillo de su falda
Le asegura una rigidez precadavérica
Los vecinos están contentos
En todas las partes de la tierra
Contentos de ser vecinos

La historia dirá
Que el señor Nozières era un hombre previsor
No sólo porque había ahorrado ciento sesenta y cinco mil francos
Sino porque había elegido para su hija un nombre en cuya primera parte
se puede discernir psicoanalíticamente su programa
La biblioteca de cabecera quiero decir la mesilla de noche
No tiene después de eso más que un valor de ilustración

Mi padre olvida algunas veces que soy su hija
El perdido
A la vez teme y sueña traicionarse
Palabras encubiertas como una agonía sobre el musgo
El que dice haberlas oído de tu boca desafía a todo lo que vale la pena
ser desafiado
Esta especie de ánimo es ahora lo único
Que nos compensa de un montón de rastrojo cerca de un
cenador de capuchinas
Que ya no existe
Cenador bello como un cráter

Pero qué auxilio
Otro hombre a quien tú dabas parte de tu angustia
En un lecho un hombre que te había pedido el favor
El don siempre incomparable de la juventud
Recibió tu confidencia entre tus caricias
Era necesario que fuera desconocido ese pasajero
Hacia ti sólo supo hacer volar una bofetada en medio de la blanca noche

Lo que abandonabas
Sólo podías perderlo en brazos del azar
Que hace tan fluctuantes los fines de siesta de París en torno a la mujeres de ojos de cristal enloquecido
Entregadas al gran deseo anónimo
Al cual forma maravillosamente únicamente
Silenciosamente eco
Para nosotros el nombre que tu padre te dio y te arrebató

Resbalamos allí donde se posó tu alto tacón de azúcar
Es igual que tengan o no la apariencia de no estar conformes
Ante tu sexo alado como una flor de las Catacumbas
Viejos estudiantes periodistas podridos falsos revolucionarios curas jueces
Abogados vacilantes
Saben muy bien que toda jerarquía termina ahí

Sin embargo un muchacho te esperaba enigmáticamente en
una terraza de café
Ese muchacho que en el Barrio Latino vendía al parecer
entretanto La Acción francesa
Deja de ser mi enemigo puesto que tú le amabas
Hubiérais podido vivir juntos aunque sea tan difícil vivir con su amor
Te escribió al partir Malvada querida
Al menos es bonito
Hasta para el mejor informado el dinero infantil no es más que
la espuma de la ola

Mucho tiempo después de la caballería y de la caballería de los perros
Violeta
El encuentro no será poéticamente más que una mujer sola entre la
inhallable espesura del Champs-de-Mars
Sentada con las piernas en X sobre una silla amarilla


(Versión de Manuel Álvarez Ortega)

Fuente: a las barricadas: Violette Nozières (todaniniosensiblesabra.blogspot.com)

Age of Ages: Un viaje gótico de ciencia ficción hacia el Apocalipsis III.

 

Las cosas no eran lo que parecían y la gente veía «Cosas» por todas partes...

En la gran Exposición Oda al Progreso, jóvenes y ancianos admiraron los últimos triunfos científicos. La sensación de la exposición fue un nuevo género, nacido in vitro. El primero de los «prefabricados», un producto maduro y suave, nacido de un prodigioso órgano reproductor femenino con la eficacia de una cadena de montaje, sin contracciones, ruido ni dolor.

V I O L E T T E - N O Z I È R E S

"Violette Nozières" es el título del célebre pamphlet surrealista publicado en 1933, en Bruselas por Éditions Nicolas Flamel y dirigida por E. L. T. Mesens.

El texto tiene como eje central, la figura de Violette Nozières, joven que fue condenada por el asesinato de su padre en 1933. El caso fue muy mediático y se convirtió en un símbolo de los conflictos sociales y familiares de la época.

Los surrealistas salieron en defensa de Violette Nozière con esta obra colectiva, convirtiéndola, de hecho, en su musa. A través de la crudeza de los términos, la violencia de las palabras y la dureza de las ilustraciones, la obra del movimiento artístico expresa una verdadera denuncia de la familia, la burguesía, la hipocresía de los defensores del orden establecido y, en un sentido más amplio, de la propia sociedad. Los poetas adoptaron una postura abiertamente provocadora en apoyo de Violette Nozière.

La publicación albergaba, bajo la hermosa portada realizada por Hans Bellmer con la fotografía de Man Ray, los poemas de César Moro, René Char, Paul Éluard, Maurice Henry, Édouard-Léon-Théodore Mesens, Gui Rosey, Benjamin Péret y del mismo André Breton y las ilustraciones de Jean “Hans” Arp, Victor Brauner, Salvador Dalí, Max Ernst, Marcel Jean, Yves Tanguy, René Magritte y Alberto Giacometti.

Crédits
© Man Ray Trust / Adagp, Paris
Crédit photographique : Centre Pompidou, MNAM-CCI/Service de la documentation photographique du MNAM/Dist. GrandPalaisRmn
Réf. image : 4N13579
Diffusion image : l'Agence Photo de la RMN

Age of Ages: Un viaje gótico de ciencia ficción hacia el Apocalipsis III.

Los escépticos se burlaban y los expertos se extrañaban de la asombrosa afluencia de divinidades variadas que se materializaban a partir de las advertencias de los profetas del Juicio Final. El más humilde de todos era un templo para algún nuevo Señor con apenas aceite suficiente para ungir su sagrada reliquia.

En esta espeluznante deformación temporal, los nativos de Nueva Jersey se asombraron al ver cómo la Atlántida Perdida se alzaba brevemente en las inmediaciones.

Ro.Go.Pa.G.

 

Enredos de sociedad

Cuatro segmentos reunidos en esta cinta de cuatro directores diferentes: Rossellini, Godard, Pasolini y Gregoretti, cuyo título es la primera sílaba de los apellidos de estos. 'Illibatezza' cuenta las atenciones que recibe una azafata de vuelo por parte de un americano maduro. 'El nuevo mundo' habla de una visión pre apocalíptica y post apocalíptica del mundo. 'La Ricotta' se basa en una parte de la vida de Jesucristo; y 'Il Pollo Ruspante', que habla sobre una familia materialista.

decine21.com

La ricotta, Pier Paolo Pasolini (1963)

Tras hacer referencia al arte del siglo XIV (el uso de la luz contrastada de Masaccio) y a la poética de Caravaggio, Pasolini incorporó el color en su tercera película, La ricotta (1963). Este giro se produjo tras la lectura, en 1961, del texto de historia del arte La maniera italiana, de Giuliano Briganti. La película en cuestión está, de hecho, impregnada de «manierismo» (que Longhi, en 1953, definiría como un momento artístico en el que prevalecían «estados de ánimo caprichosos, volubles, a menudo introvertidos») a partir de las dos secuencias en las que Pasolini escenifica los dos cuadros de la Deposición de Cristo de Pontormo y Rosso Fiorentino, respectivamente, pioneros de esta corriente artística. Auténticas citas, por tanto, que encajan y colorean vivamente, con los brillantes matices típicos de los manieristas, una parte de la película que durante el resto del metraje está rodada en blanco y negro.

 

Dopo aver fatto riferimento all’arte trecentesca (l’utilizzo della luce contrastante di Masaccio) e alla poetica di Caravaggio, nel suo terzo film, La ricotta (1963), Pasolini inserirà il colore. Questa svolta nasce dopo che, nel 1961, egli era approdato alla lettura del testo di storia dell’arte di Giuliano Briganti La maniera italiana. Il film in questione è, infatti, intriso di “manierismo” (che Longhi, nel 1953 definirà essere un momento artistico in cui prevalgono «umori balzani, lunatici, spesso introversi») a partire dalle due sequenze in cui Pasolini mette in scena i due quadri della Deposizione di Cristo rispettivamente del Pontormo e di Rosso Fiorentino, pionieri di tale corrente artistica. Vere e proprie citazioni, dunque, che si inseriscono e colorano vividamente, con le tinte brillanti tipiche dei manieristi, parte della pellicola che per il resto del film è girata in bianco e nero.

Texto de Margherita Bicocchi, La lezione di Roberto Longhi nell’opera di Pier Paolo Pasolini, 12/05/2022

https://echoraffiche.com/la-lezione-di-roberto-longhi-nellopera-di-pier-paolo-pasolini/ (visitado el 26/09/2024)

 

Age of Ages: Un viaje gótico de ciencia ficción hacia el Apocalipsis II.

Aníbal estaba en las montañas rocosas de los Alpes, retrocediendo sobre sus pasos.

Una señal del zodiaco en los cielos de California, alertó a un culto expectante de la llegada de su Mesías.

Age of Ages: Un viaje gótico de ciencia ficción hacia el Apocalipsis I.

 

...El tema del cataclismo es también central en la sexta y última de las novelas collage de Akbar del Piombo (e ilustraciones a collages realizadas por Norman Rubington), Age of Ages: Un viaje gótico de ciencia ficción hacia el Apocalipsis, en la que la situación humana precipita poco a poco en un abismo de caos, locura, violencia y destrucción. Tomando como punto de partida el mundo distópico descrito en 1984 de George Orwell, Age of Ages comienza cuando el reinado represivo del Gran Hermano llega a su fin con su muerte y es reemplazado por la hermana menor del tirano, la Hermana Pequeña. Con el objetivo de alcanzar el control absoluto sobre las mentes de sus súbditos, la nueva gobernante establece una alianza impía entre la tecnología de vigilancia más avanzada, la neurotecnología y las fuerzas de lo oculto, reclutando para su proyecto a un variopinto cuerpo de científicos y expertos técnicos, brujas, médiums espirituales, hechiceros y adivinos.

Y por si tal opresión intrusiva no fuera en sí misma suficiente tribulación para la humanidad, comienzan a manifestarse signos de «un mundo que se altera drásticamente». De repente, la evolución inversa se hace evidente en el reino animal, algunos de los muertos vuelven a la vida, y una ominosa doble luna aparece en el cielo nocturno, a partir de entonces la locura y el asesinato se desatan y la sociedad es arrastrada por modas y cultos desesperados, suicidios y extremos de indulgencia sensual...

Fuente: Mutinous Jester: The Collage Novels of Akbar Del Piombo • Empty Mirror (emptymirrorbooks.com)

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Primer signo de un mundo cambiante

El tiempo: La víspera del fatídico año nuevo – 1984

El lugar: En algún lugar del lejano Oeste.

 

Dante y Virgilio regresan del infierno.

L’ART VAINCU? IV.

 

LA VETRINA DEL ARTE

Un tiempo, el arte cumplía una función: la catedral gótica era símbolo del triunfo de la Iglesia, de la ciudad, de su Obispo y sus ciudadanos y al mismo tiempo, era signo de la luz divina; hoy el arte parece responder sólo a un imperativo mercantil. Bauman analiza cómo el arte se ha convertido en una mercancía: las galerías, casas de subastas y coleccionistas adinerados, a su parecer, dominan el mercado del arte, determinando su valor más por su precio que por su calidad intrínseca.

Ejemplificativas, a este respecto, son las obras de Damien Hirst y Jeff Koons. podemos citar también el irónico caso del 2018 de la subasta en Sotheby’s de “Balloon girl” (9) del street art Banksy: mientras la obra se adjudicada con el típico golpe de martillo por más de un millón de dólares, el rumor activó un mecanismo oculto a la base del marco, triturando buena parte del trabajo.

Con la autodestrucción de su obra (10), Banksy pretendía hacer una mordaz crítica a la comercialización del arte, la especulación sobre el valor y la efímera naturaleza del arte. Pero el hecho se demostró como un momento icónico del arte, tanto así que el comprador decidió quedarse con la obra, consciente que esta podría valer mucho más del precio por el cual había sido adquirida.

La globalización y la tecnología también inciden de forma determinante en el mundo del arte: por un lado, más personas participan en la creación artística, utilizando las muchas herramientas a su disposición (impresoras 3D, inteligencia artificial, etc.) para la ejecución de obras. Asimismo, la proliferación de plataformas en línea y redes sociales ha ampliado el acceso al arte (hoy más que nunca, vivimos en un mundo que nos “bombardea” de imágenes) y ha dado voz a otros que hasta ahora vivían marginados o excluidos del mundo del arte tradicional. La globalización también presenta algunos desafíos, como la homologación cultural y la pérdida de la propia identidad cediendo a las tendencias globales. Resulta evidente que los criterios de producción han cambiado, así como la circulación del arte y el rol de los intermediarios y de las instituciones.

 

CONCLUSIONES

El panorama que en parte se ha descrito parece bastante pesimista para el mundo del arte, y nos pone las siguientes interrogantes: ¿Qué nos dice el arte actual sobre nuestro tiempo?, ¿No existen más los valores del pasado? ¿Se han perdido los ideales? ¿El arte se ha vuelto relativo?,¿Acaso vivimos en la época del arte derrotado? Y si el arte es este ¿Quién se interesará por él? ¿Quién decide quienes son artistas o quienes no lo son? ¿Los artistas se han olvidado de su identidad y dignidad? ¿Los artistas ya no son lo suficientemente buenos y han perdido credibilidad?

 Jean-Luc Nancy al final de su conferencia en Breda, pregunta: “¿Qué queda del arte a pesar de todo?, ¿qué queda de un acto artístico que podemos evaluar o sobrecargar de significaciones y que no abre un mundo, sino que simplemente da cuenta de un mundo cerrado, un mundo cerrado sobre sí mismo, un mundo sin ninguna apertura?”.

Tal vez no hemos buscado el arte hoy, donde deberíamos. El arte debe trascender, y si no trasciende, no puede llamarse arte. El arte debe ser premonición, debe intuir, debe ser capaz de conquistar lo positivo y vencer lo negativo, de conjugar, pasado, presente y futuro.

Debe estar hecho de una experiencia real, que hable al unísono, que sea a la vez universal, pero con una propia identidad. Hemos encontrado mil lenguajes, pero no nos damos cuenta de que tenemos la necesidad urgente de decirnos los mismos conceptos, las mismas inquietudes y las mismas preguntas fundamentales. No puede ser posible que no existan expresiones artísticas concretas, con un sentido de lo correcto y una búsqueda de lo profundo.

El arte, como Jean-Luc Nancy dice, debe ser un gesto, expresión de un signo que nos remita más allá, que nos ayude a “spingerci avanti”. Si el artista sabrá hacer esto, si con su obra da un testimonio sincero, entonces, el arte se librará de todo accesorio, ya no estará más cerrado sobre sí mismo, ya no estará vencido.

Artículo publicado en la revista "Perspettive"

del Centro Estudios de Tonalestate International

Summer University 2024, Copyright ©

Quitzé Sabillón

 Bibliografía

1. Arte, ¿líquido?, Zygmunt Bauman, Ediciones Sequitur, Madrid 2007.
2. C. Brancusi v. United States,  T. D. 43063, United States Customs Court,Third Division,  54 Treas. Dec. 428; 1928 Cust. Ct. LEXIS 3, November 26, 1928, Decided.
3. De lo espiritual en el arte, Vasili Kandinsky, Ed. Paidós, Buenos Aires, 2003.
4. Después del fin del arte: el arte contemporáneo y el linde de la historia, Arthur C. Danto ; [traducción de Elena Neerman] Edición 2ª ed. Barcelona : Paidós, D.L. 2001 Historia da arte.
5. El arte hoy, Jean Luc-Nancy, Editorial Prometeo, 2014.
6. El fin del arte, Arthur Danto, 1984. En “El Paseante”, núm. 22-23, 199 
7. Il paradigma dell'arte contemporanea. Strutture di una rivoluzione artistica, Nathalie Heinich, Johan &Levi editori, 2022.
8. Profecías y meditaciones para sobrevivir al post-arte. Una conversación con Donald Kuspit, Fernando Castro Flórez, en “Minerva: Revista del Círculo de Bellas Artes”, 2011.
9. The Richard Mutt Case, The Blindman, n° 2, may 1917.

 

Sitografía:

1. Anuncia su agonía la burla del arte contemporáneo- Grupo Milenio (consultado el 16/05/2024)
2. «El problema en el arte es la falsedad y la manipulación» - Levante-EMV (consultado el 05/06/2024)
3. Le tendenze dell’arte contemporanea (pearson.com) (consultado el 24/06/2024)

 

PICCOLE NOTE SULL’ARTE

Il Cristo giallo, 91 cm x 73 cm, New York, Museo Albright-Knox, 1889.

 

Ai piedi del monte del cranio sono rimaste solo le pie donne, sullo sfondo c'è chi si allontana, chi fugge. All'improvviso il cielo scurisce. Le donne bretone sono in uno stato contemplativo, come se si chiedessero se ciò che accade intorno c'entra o no con loro. Il giallo pervade l'intero dipinto, arbusti ardenti dialogano con lo spettatore, i toni freddi calano sul giorno. La desolazione del paesaggio vuole essere rivelatore dell'asprezza della vita umana. Ma è una visione? è un fatto contemporaneo? può un evento del passato eternarsi? Le linee taglienti disegnano i contorni delle figure, come in un'icona antica che colloca l'evento fuori del tempo e dello spazio. I colori primari ci rimandano a un tempo primitivo, al momento dell'origine, le donne in meditazione e i personaggi che vanno via ci fanno domandare sul destino, sul senso ultimo. L'infinito si è manifestato in un particolare. Gauguin esegue quest'opera l'anno dopo l’esperienza con Van Gogh, e alcuni non tanto fortunati tentativi artistici. Forse che anche lui come noi, in momenti di sconforto, si domandò quel "perché?" a cui da soli non possiamo rispondere. Forse il dipinto fu il mezzo per manifestare la sua domanda di senso, che gli uomini di ogni tempo ed età si sono posti e si pongono. Il dipinto fu particolarmente caro a Gauguin al punto di usarlo da sfondo per un suo autoritratto e di non separarsene mai fino alla sua morte.

Per approfondire sul Portrait de l'artiste au Christ jaune visitare Musée d’Orsay:
(http://www.musee-orsay.fr/index.php?id=851&L=4&tx_commentaire_pi1%5BshowUid%5D=248&no_cache=1)

Uccellacci e uccellini

 

PAJARracos y pajaritos

Pier Paolo Pasolini, 1966.

Int.: Totó, Ninetto Davoli, Femi Benussi.

Italia. VOSE. 100 min. DCP

Sinopsis

“Escandalizó a media humanidad.​ El argumento es sencillo. Totò, agricultor de profesión, y su hijo Ninetto se ponen en camino, en los alrededores de Roma, para pedir una moratoria e intentar solventar una deuda sobre su finca. Durante el camino, los dos hablan de la vida y de la muerte con un insólito personaje: un cuervo que habla. Éste dice ser intelectual y marxista de la vieja guardia. Sustenta la teoría de que la humanidad se divide en dos parcelas: la que habitan los pajarracos y la que alberga a los pajaritos.

Debemos tener presente que el film fue una “fábula narrada en prosa”, tal y como la describe su director. La película trata el ocaso de las ideologías, y reflexiona principalmente sobre el declive del marxismo, ideario que profesa Pasolini. El cineasta italiano realiza un ensayo en el cual cuestiona el destino de la humanidad. Vemos un compromiso político, que no esconde ni maquilla su airada y pesimista visión del mundo, al que condimenta con dosis de ironía.

Carlos Penelas en https://www.galiciaunica.es/

Premios

Banda Sonora:  Ennio Morricone. Nominada a la Palma de Oro en el Festival de Cannes de 1966

en Uccellacci e uccellini / Pajarracos y pajaritos (filmotecazaragoza.com)